Je me suis dit que ça pourrait intéresser certains, et pas seulement pour la musique, mais aussi -pourquoi pas- pour l'écriture-. En tout cas, j'aimerais savoir ce que vous en pensez.
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Citer:
par Steve Vai
(Partie 1 de 7, publié initialement en février 1989).
Unicité. Individualité. Ce sont des traits auxquels aspirent les musiciens ambitieux. Lorsque ces qualités sont reconnues chez d'autres, des styles sont définis et des tendances établies. Chacun a la possibilité d'être unique, car il n'existe pas deux personnalités semblables.
L'individualité est développée par l'esprit. La première étape est de croire en notre caractère unique, et s'il n'apparaît pas de façon évidente dans notre rapport à l'art (musique, goûts, ou autre), il peut être développé. Dans ces chapitres, je vais utiliser une approche peu orthodoxe pour vous aider à développer votre style et votre expression personnelle. Certaines de ces méthodes risquent de vous paraître un peu "farfelues", mais ne lâchez pas le morceau.
Je ne vais pas tellement parler de théorie musicale, d'exercices de dextérité et de plans élaborés. Vous pouvez trouver tout ça grâce à des millions d'autres sources. Je ne désapprouve pas du tout ces choses là ; au contraire, un certain prérequis est toujours utile. Mais la singularité n'est pas toujours le reflet de vos connaissances ou de la vitesse à laquelle vous pouvez jouer. Je crois que l'individualité se définit, en grande partie, par l'aptitude que vous avez à exercer votre imagination grâce à un alliage adéquat de facultés émotionnelles, physiques, techniques et mentales. Cela peut paraître beaucoup, mais ça se résume finalement à "simplement jouer".
Pour profiter au mieux de ces articles, je pense qu'il est important d'avoir une bonne quantité de théorie et de technique à votre actif. Ce n'est pas absolument nécessaire, mais cela ne peut que vous aider. Bien que ces pages traitent plus de la discipline de l'esprit que de celle des doigts, vous devriez avoir été bien formé à ce qui suit:
GAMMES:
Toutes les gammes majeures et les modes, ainsi que les règles régissant leurs relations ; les pentatoniques ; gammes mineures mélodiques et harmoniques ; gammes par ton et diminuées. Vous devez connaître toutes les positions de ces gammes sur le manche, et depuis la corde de mi grave jusqu'à la note la plus aiguë. Vous devez avoir mémorisé les sonorités de ces gammes. Travaillez-les avec des patterns mélodiques basées sur les secondes, tierces, quartes etc.
ACCORDS:
Savoir comment fonctionnent les grilles d'accords. Connaître au moins 5 façons de jouer tous les accords majeurs, mineurs, majeurs 7ièmes, mineurs 7ièmes, et autres. Savoir identifier un accord à partir des notes le composant. Mémoriser la sonorité de ces accords.
THEORIE ET IMPROVISATION:
Connaître toutes les notes du manche. Mémoriser le cycle des quintes et connaître un minimum de théorie musicale. Comprendre les bases de l'improvisation sur changement d'accords.
LECTURE ET ECRITURE:
Comprendre la lecture et les notations musicales de base. Etre capable de déchiffrer une chanson en ne disposant que de la grille d'accords et de la mélodie. Savoir lire la tablature et savoir comment lire et écrire la tablature d'accord. Etre capable d'écrire une idée sur un support (en d'autres termes, être capable de noter une mélodie). Vous devez également développer des exercices de technique pour vous aider à progresser sur les domaines où vous sentez des faiblesses (comme les arpèges, le double-picking, les hammers, le tapping).
Ce sont tous les trucs de base. Cela a été traité dans des tonnes et des tonnes de livres, je vais donc vous l'épargner. Vous pouvez trouver ces informations dans n'importe quel magasin de musique ou librairie ayant un rayon musique, ou demandez à un professeur.
Bien qu'une compréhension poussée de tous ces points basiques de théorie soit très utile, ce n'est pas une nécessité, car la musique est un art. Personne n'a le droit de dire "Notre bruit est meilleur que leur bruit". C'est totalement relatif. Toutefois, si vous êtes un connaisseur pointu de théorie, voici une liste de quelques livres que j'ai trouvé très utiles lorsque j'étais étudiant :
" Ted Greene, "Chord Chemistry"
(Alfred Publishing Company).
" L'ensembles des livres de Bill Levitt Berklee
(Berklee Guitar Series, dist. par G. Schirmer, 886 3rd Ave., New York NY 10022)
" Un bon fake book.
" Nicholas Slonimsky, "Thesaurus Of Scales And Melodic Patterns"
(Schirmer Books)
" "Rhythms 1 & 2" par Gary Chaffe.
" Partitions de violon et de saxophone pour l'entraînement à la lecture.
" Gardner Reed, "Music Notation"
(dist. Crescendo, 48-50 Melrose St., Boston, MA)
[Most or all of these books are available from amazon.com.]
...et bien sur, tous les articles publiés dans le magasine "Guitar Player". Certains auront peut-être besoin d'un peu de temps pour intégrer ces considérations de théorie musicale préliminaires, aussi conservez ces articles !
Gardez à l'esprit que notre approche sera plus mentale, émotionnelle, et imaginative que théorique. Notre but est de développer l'individualité de votre jeu de guitare. Et comme dans tout parcours d'étude, l'état d'esprit est la chose la plus importante.
Avez-vous déjà entendu la phrase "C'est ce que je suis"? Je pense que cela signifie que vous êtes ce que vous pensez être. La façon dont vous vous percevez est ce que vous finirez par devenir. Le problème c'est que la plupart d'entre nous n'avons pas conscience de la façon dont nous nous percevons. Ceci nous entraîne sur un terrain psychologique qui nous dépasse probablement, mais je pense qu'il est possible de vous donner vous même un message conscient qui s'intègrera de lui même à votre psychisme et votre mode de vie. Voici un exemple simple : imaginez que vous êtes en train d'essayer de perdre une mauvaise habitude quelconque. Si vous vous répétez sans cesse toutes les raisons de le faire (même si vous n'y croyez pas vraiment), vous trouverez finalement que cette habitude vous déplait réellement et que vous souhaitez sincèrement vous en débarrasser. Ce principe peut s'appliquer à n'importe quel objectif. C'est une sorte d'auto-hypnose, de lavage de cerveau auto-infligé.(qui lave des aspects négatifs, cependant).
Je pense qu'il est dans la nature des choses que chaque personne soit différente, avec un potentiel d'expression unique. Par conséquent, nous avons tous la capacité d'être unique dans notre façon de nous exprimer musicalement. Beaucoup n'y croient pas et se retrouvent à copier les autres, à sonner comme quelqu'un d'autre. Ils finissent frustrés car ils sentent qu'ils ne peuvent pas "se mesurer à la concurrence". Mais comment concurrencer une individualité? La seule personne avec qui vous rivalisez, c'est vous-même. Lorsque vous parvenez à vous identifier à votre identité, à l'accepter, et à la respecter, la quiétude vous envahit. Le premier mensonge à abattre est la peur ou la conviction de manquer d'unicité.
La première leçon de ce mois sera donc (outre la mémorisation de toute la théorie et le reste vu précédemment) de prendre conscience de votre totale unicité et individualité, et que cela sera de plus en plus visible chaque jour. Vous devez le croire. Ressassez-le chaque jour, et cela fera partie de votre raisonnement. Vous serez ce que vous pensez être. "C'est ce que je suis".
Mais souvenez-vous, il est important de surveiller votre ego. Il est facile de prendre la grosse tête, et là c'est brûlure profonde garantie. Si vous êtes unique, alors n'importe qui d'autre l'est aussi. Vous devez apprécier et respecter l'unicité des autres. Pensez-y chaque jour - même sans lire ou étudier le moindre mot ou la moindre note de musique - et vous sentirez votre "muscle d'unicité" se renforcer.
Bien que le "sermon" de ce mois-ci ne demande pas d'avoir la guitare en main, je crois qu'il s'agit du conseil le plus précieux que je puisse donner à tout le monde.
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Musical Meditation
(Méditation Musicale)
par Steve Vai
(Partie 2 de 7, publié initialement en mars 1989).
Si vous vous concentrez profondément sur une situation donnée, vous obtiendrez les meilleurs résultats. La solution réside dans la focalisation mentale. Ceci reste vrai pour toute recherche ; un maçon qui se concentre sur sa tâche s'occupe de chaque détail et réalise le travail plus vite et mieux. Quand vous lisez un livre en focalisant totalement votre attention, votre compréhension et votre mémorisation s'en trouvent infiniment accrus.
Voici un exemple musical : je transcrivais de la musique pour Frank Zappa, m'occupant de tout, des solos de guitare et de batterie jusqu'aux partitions orchestrales et directrices. C'était un travail très intense, et je me suis retrouvé à passer 10 ou 12 heures par jour à n'écouter qu'une seule minute de musique. J'étais concentré si intensément que je me sentais étourdi à chaque fois que je faisais une pause, mais je parvins à des résultats sans précédent. J'ai découvert de nouvelles formes de notations écrites, j'ai grandement développé mon oreille, et j'ai transcrit quelques-unes des parties musicales rythmiquement les plus complexes jamais enregistrées - uniquement par pure focalisation mentale.
Un tel contrôle de l'esprit est une méditation. Les gens méditent sans arrêt sans s'en rendre compte ; regarder la TV est une méditation, dans un sens. Lorsque les gens entendent le mot "méditation" ils pensent à des notions spirituelles. "L'apaisement de l'esprit" est certainement la plus haute forme de méditation. Il s'agit de préserver son esprit des pensées erronées pour ne se focaliser que sur le divin (ou tout autre voie que vous suivez). On obtient les meilleurs résultats en méditant sur un sujet, mais hélas, méditer n'est pas simple. L'esprit adore vagabonder, et ces intrusions vous éloignent des précieux résultats que vous cherchez.
Maintenant où diable se trouve le rapport entre toutes ces considérations et apprendre à jouer de la guitare?
Lorsque vous méditez sur quelque chose, vous êtes forcé de le regarder sous plusieurs angles différents, y compris certains auxquels vous n'aviez probablement jamais pensé. Vous êtes forcé d'aller chercher au plus profond de votre identité et de votre individualité. Par conséquent, vos résultats vous seront exclusivement propres. En tant que musiciens c'est ce que nous recherchons : allumer cette infime flamme (ou ce brasier) d'originalité et d'individualité.
Les exercices suivants vous aideront à développer vos compétences de méditation musicale. Prenez une notion musicale isolée, comme un accord ou un riff. Pour notre exemple prenons le vibrato. Le vibrato est une technique très expressive, et peut exprimer des milliers choses différentes si elle est correctement (ou mal) utilisée. Asseyez-vous avec votre guitare et un métronome, et faites virer une note pendant une heure. Ça peut paraître simple, mais voici le secret...
Ne cessez jamais de tenir cette note.
Jouez-la aussi souvent que vous le souhaitez. Testez différentes approches du vibrato (rapide, lente, profonde, mélodieuse, etc).
Le plus important : ne laissez pas votre esprit s'égarer. Si vous vous surprenez à songer à autre chose que le vibrato (et vous le ferez certainement, durant les premières secondes), ramenez votre pensée sur la note. Votre esprit s'égarera vers des pensées du genre "suis-je en train de le faire correctement", puis "mon gars, quelle perte de temps!". A la longue, vous vous retrouverez à penser à vos amis, votre situation financière, ce que vous avez fait hier, ce que vous allez faire demain, et bien sur, "à table!". C'est la partie difficile. Continuez simplement de ramener votre esprit sur la vibration de cette note. C'est une discipline qui mérite que l'on s'y tienne.
A la longue, vous ferez le tour de toutes les approches conventionnelles du vibrato, de toutes les formes observées chez les autres. Puis (si vous parvenez à vous y tenir), votre esprit entrera dans le domaine privé et vous plongerez plus profondément dans votre propre singularité pour y trouver des idées différentes.
Vous devrez peut-être commencer à pratiquer cette technique petit à petit, 5 ou 10 minutes au début seulement. Essayez de vous chronométrer. Au bout du compte, vous verrez que lorsque vient le moment de "simplement jouer", vous utiliserez ces vibratos avec une grande facilité, et vous découvrirez quelque chose de différent dans votre jeu.
Vous pouvez pratiquer cet exercice avec n'importe quel riff, solo, ou changement d'accord. Gardez seulement votre esprit fixé dessus et analysez constamment votre exécution. Cela peut devenir très profond. Vous pourrez peut être, par exemple, prendre deux notes - n'importe lesquelles - et les jouer pendant une heure sans vous en écarter. Essayez n'importe quelle manière ; écartez les, utilisez plusieurs style de picking, jouez dur ou doux, faites des notes longues ou courtes, ou faites-les vibrer.
L'un des gros points positifs que vous tirerez de ce genre d'entraînement est l'assurance. Quand vous jouerez quelque chose, vous vous sentirez en confiance pour le réussir haut la main.
Mais plus important encore, vous gagnerez en discipline. Les grands résultats requièrent de la discipline, et la méditation est une discipline. Mais si vous êtes vraiment à fond dedans, cela ne vous paraîtra pas être une discipline, mais un plaisir. Mais une chose est certaine : rien de ce que vous pourrez lire dans un article ne peut vous apprendre quelque chose. Vous devez simplement vous y mettre !
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Emulating a State of Experience
(Interpréter l'état d'esprit d'une expérience)
par Steve Vai
(Partie 3 de 7, publié initialement en avril 1989).
Plus vous serez capable d'identifier et d'exprimer votre personnalité intérieure, plus vous ferez preuve de respect envers votre instrument d'expression - votre guitare. Si vous commencez à mieux vous identifier à vos différents états d'esprit, vous développerez votre intuition dans votre jeu. Votre musique prendra différents aspects : espiègle, triste, illogique, pure, ou autre. Jouer de la guitare est, au demeurant, une chose très personnelle.
Si vous jamais vous sentez que vous ne faîtes que vous égarer sur votre guitare, ou que vous vous enlisez, voici un exercice qui améliorera le rapport à votre instrument. Pensez à quelques journées récentes, et décomposez-les en une série d'évènements distincts. Choisissez un de ces évènements et re-visionnez-le quelques fois. Vos émotions vont probablement changer au fur et à mesure que vous revivrez cet état d'esprit. Maintenant construisez une situation musicale qui reflète cet état d'esprit. Cela peut être un accord, une progression, un plan, une mélodie, un effet sonore, une sonate complète, ou une simple note.
Si vous êtes totalement imprégné de cet état d'esprit, votre jeu s'en ressentira. C'est là que le que le pouvoir magique de la musique intervient. Prenez, par exemple, un simple accord : un assemblage de notes percuté, gratté, égrainé, ou haché d'une certaine façon, peut représenter un état d'esprit. Commencez par imaginer le type d'accord qui pour vous représente le mieux cet état d'esprit dans lequel vous vous êtes auto-hypnotisé. Une fois que vous entendez cet accord dans votre tête, essayez de le construire sur votre guitare. Si vous sentez que vous perdez de vue votre objectif, repassez-vous la situation en tête et imaginez de nouveau la sonorité de cet accord. Lorsque vous pensez avoir la structure harmonique qui représente votre état d'esprit, jouez-la encore et encore, en fixant votre esprit sur cet évènement que vous êtes en train de représenter (de la même façon que dans Musical Meditation). Votre façon de jouer, et peut-être aussi l'accord lui-même, risquent de changer pour coller plus précisément à cet environnement mental.
Ensuite, essayez d'enchaîner quelques accords pour vous aider à représenter votre état d'esprit. Ils peuvent être simples ou complexes, communs ou inhabituels. Il existe une façon d'interpréter une progression d'accord pour figurer chaque expérience humaine passée, présente, ou future. Avec ceci en tête, vous avez peu de chances de vous retrouver à court d'idée.
Maintenant essayez de jouer un riff, une note seule, ou une mélodie qui reflétera ces évènements dans votre esprit. Lorsque vous trouvez quelque chose de satisfaisant, répétez-le en même temps que vous vous repassez ces évènements en tête. Rappelez-vous, faire coller un tempo et un groove à votre état d'esprit est important - c'est l'un des plus considérables facteurs d'expression. Nous savons tous comment différents grooves peuvent nous faire bouger ou ressentir les choses de diverses façons.
A terme vous vous retrouverez à modifier légèrement ce que vous jouez, de manière à coller plus fidèlement à votre état d'esprit. Le lien entre ce que vous jouez et ce à quoi vous pensez sera de plus en plus ténu, jusqu'à ce que tout se passe comme si vous et votre instrument ne faisiez plus qu'un. C'est quelque chose de très spécial lorsque cela se produit. Ça demande du travail, de la discipline, de la concentration et de la patience, mais parfois ça arrive sans que vous ne vous en rendiez compte (et il est important de ne pas se crisper si cela ne se produit pas).
Chaque fois que vous jouerez ces accords, il signifieront beaucoup plus pour vous que lors de vos précédentes hésitations étourdies. Assemblez le tout en un morceau de musique et ce sera très puissant.
Une précaution à prendre cependant : lorsque vous choisissez un évènement passé, présent ou futur sur lequel vous focaliser, choisissez parmi des états émotionnels variés. Cela ne doit pas nécessairement être une émotion forte comme la tristesse, la colère, la frustration, le bonheur ou la joie ; cela peut être simplement une pensée ou une impression. Certaines personnes ressassent énormément les épisodes négatifs de leur vie. Si vous faîtes ceci trop souvent, votre jeu reflétera de la frustration, des émotions tourmentées, chargées d'anxiété et vous attirerez ce genre de personnes dans votre vie. Par contre, si vous interprétez une grande variété d'évènements, vous vous réjouirez à l'idée de jouer de votre magnifique instrument et les gens percevront vos visions.
Vous passez probablement par des milliers d'états d'esprit chaque jour, plus qu'il n'y a de mots pour les décrire. Imaginons que vous n'ayez rien mangé depuis huit heures, et quelqu'un vous tend une pomme, belle , fraîche, mûre, et CROC! Vous passerez sûrement par de multiples états d'esprit pendant ces quelques moments : faim, quoi manger, vos sentiments (influencés par votre faim) envers la personne avant et après qu'elle vous ait offert la pomme, la pensée "Et oui, cette pomme c'est déjà du passé mon vieux!", le croquant de la pomme et la sensation de goût, l'étouffement, la toux et les postillons parce que vous aviez trop faim pour mâcher correctement, ou la gène d'avoir crépi de pomme mâchée le t-shirt de la personne qui vous l'avait offerte- je sais pas !
Mais tous ces sentiments sont des sources d'inspiration légitimes. Vous pouvez appliquer cet exercice à n'importe lequel de ces états d'esprit. Par exemple, j'ai l'accord parfait pour représenter le crachat de pomme :
Cette technique peut vous aider dans les moments difficiles de votre vie, et les gens s'y identifieront. Sa force suggestive est très puissante, et c'est là que la magie de la musique intervient de nouveau. L'intensité de cette puissance provient de vous. Lorsque vous émettez ce fort état d'esprit, vous bougez les gens. La direction dans laquelle vous les déplacez ne dépend que de vous. Souvenez-vous, votre instrument n'est que cordes et bois. Vous devez choisir quel genre d'ensorceleur vous voulez être. La prudence est de mise. Ecoutez votre cÅ“ur, et c'est votre cÅ“ur qui jouera.
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Citer:
The physical
(Le physique)
par Steve Vai
(Partie 4 de 7, publié initialement en mai 1989).
Votre visage révèle beaucoup de votre personnalité. Lorsque les gens parlent, ils se servent de leur visage, autant que de leur voix. Parfois le sens réel de ce qu'ils essaient de communiquer (ou de ne pas communiquer) est visible au travers du langage de leur visage et de leur corps.
Le langage du corps est une part importante de votre mode d'expression. Essayez seulement de participer à une conversation en restant de glace, visage figé - pas de sourire, de mouvements des mains ou du corps, rien que les lèvres. Vous verrez qu'il sera bien plus difficile de vous exprimer.
La façon dont vous bougez votre corps reflète votre personnalité. Quand quelqu'un joue d'un instrument, les langages du visage et du corps jouent un grand rôle expressif. Certains bougent très peu en jouant. Cela ne signifie pas pour autant qu'ils ne s'expriment pas, ni que ce qu'ils sont en train de jouer de signifie rien - pour certains, l'expression provient simplement du plus profond de leur être. Ceci, également, peut être développé grâce à un état esprit approprié.
Parfois quand vous jouez, vous attaquez une note ou un accord, et vos expressions faciales et corporelles se déforment pour coller à l'expression sonore. Lorsque cela arrive, vous ressentez un certain sentiment de liberté et d'accomplissement, et c'est très divertissant pour un public.
Voici un exercice pour vous aider à utiliser votre corps de façon expressive. Premièrement, enregistrez une situation musicale - par exemple un bÅ“uf, ou une série de changements d'accords + solo enregistré par dessus. Réécoutez-le et choisissez une section particulière - un changement d'accord ou un riff - qui vous plait. Ecoutez-le plusieurs fois, et imaginez un "petit personnage" réel qui incarne cette musique (qui vous ressemble à priori, ou bien une figure familière comme Gumby*). Si ce petit personnage était un riff, quel aspect auraient son corps et son visage? Comment se déformerait-il pour donner l'impression d'un son audible aux spectateurs? (Ca peut être assez amusant...)
Maintenant réécoutez l'enregistrement de nouveau. Ecoutez le passage choisi encore et encore, mais pendant que vous imaginez le langage corporel du petit bonhomme, imitez-le avec votre visage et votre corps. Vous sentirez mieux les notes, et cela se traduira dans votre jeu.
Voici un autre exercice : pendant que vous jammez, choisissez un plan et faites le tourner sans arrêt. Ce faisant, pensez à ce que vous êtes en train d'essayer de communiquer ; puis pensez à ce que vous fait ressentir ce que vous êtes en train d'entendre. Laissez le son s'exprimer de lui-même dans un mouvement corporel particulier. Ce mouvement peut consister à rejeter sa tête en arrière, ou cligner de l'Å“il, ou à donner un coup de bassin, ou à faire une roulade au sol dans une frénésie convulsive copulant avec votre guitare en un délire érotique les yeux révulsés les narines incandescentes et de grosses veines rouges turgescentes sur votre cou... mais s'il vous plait soyez prudents. (au fait, je pense le connaître ce riff).
Un autre exercice sur lequel j'ai buté quand j'avais environ 12 ans. Prenez un morceau de musique familier, comme une partie solo favorite. Pendant que vous l'écoutez, laissez votre visage se déformer et exprimer la musique. Le premier morceau avec lequel je me rappèle avoir fait ça était "Midnight", un super morceau de Jimi Hendrix présent sur "War Heroes". Testez cette technique avec votre propre jeu - laissez votre visage exprimer ce qui sort des haut-parleurs. C'est très marrant, et très distrayant. Plus vous vous permettrez de mouvements, plus votre musique semblera devenir vivante.
Certes, utiliser cette technique en live demande une certaine audace mais bon, qu'est-ce que vous avez à craindre, hein? Je ne vous encourage pas à utiliser ces techniques de langage corporel TOUT le temps. Mais dans cette quête perpétuelle d'originalité, vous devez fouiller dans les profondeurs de votre âme, et ces techniques pourraient y vous aider.
(*ndt : Gumby, petit personnage vert en patte à modeler, populaire depuis plus de 50 ans aux Etats-Unis)
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The Physisal, Part Two
(Le Physique, deuxième partie)
par Steve Vai
(Partie 5 de 7, initialement publié en juin 1989).
La musique suscite des émotions particulières. Une mélodie familière peut vous rappeler des périodes entières de votre vie. Lorsque j'écoute "Led Zepplin II", "Are You Experienced?" de Jimi Hendrix ou même quelques vieux Motown, la musique ramène ma conscience à l'époque où cette musique était populaire. Lorsque nous vivons ce genre de phénomène, il est même possible de ressentir ce que nous faisions au moment le plus marquant où nous écoutions la chanson.
Lorsque j'étais ado, par exemple, quasiment chaque semaine quelqu'un organisait une fête. Je me dirigeais alors vers la chaine stéréo et y mettais une copie de "Led Zepplin II".(J'avais toujours la cassette sur moi, au cas ou ils n'auraient pas l'album). Lorsque arrivait "Heartbreaker", mes amis libéraient un bout de table ou un espace au sol et me demandaient de jouer le solo façon "air guitar". Bien sur je me faisais un peu prier au début, mais déjà le cabotin pointait en moi. Alors je me mettais à sauter dans tous les sens et à gesticuler comme un animal sauvage. Tout le monde adorait, moi en particulier. (C'était à cette époque, où le vin Apple Ripple à 1.25$ la bouteille faisait fureur - vous vous souvenez, pas vrai?)
Bref, aujourd'hui encore, quand j'entends ces chansons familières, je m'y revois
de nouveau, humant l'air du temps, retrouvant mes 15 ans, prêt à foncer tête baissée ! Je ressens réellement les mêmes sensations qu'à cette époque. C'est, pour moi, la preuve de l'immense force inhérente à la musique.
Dans ces séries d'articles, nous avons essayé de développer notre jeu de façon à ce qu'il exprime notre propre identité. Vous devez trouver des pensées, des sentiments, et des sensations physiques personnelles et les réaliser au travers de votre musique. Souvenez-vous, vous avez une personnalité unique - vous avez simplement à la creuser. Plus vous creusez profond, plus vous découvrez.
Traduire des sentiments et des sensations en sonorités est une approche unique, et une même sensation peut signifier des choses différentes en fonction des personnes. Je sais ce qu'un coup sur la tête ou une chatouille du pied représentent pour moi, mais cela signifiera peut-être quelque chose de différent à quelqu'un d'autre. Je perçois les choses au travers de mes sens, et mes perceptions sont influencées par mon humeur et ma vision du monde. La façon dont je transcris ces choses sur mon instrument est le reflet de la façon dont j'ai ressenti la sensation originale, de la façon dont je l'ai synthétisée au travers de mon imagination (qui est unique, comme la votre), et de comment je l'exécute grâce à mon mécanisme anatomique (chair et os) et ma dextérité (bagage technique) --- pfiou !
Essayons d'examiner quelques sensations physiques, dans l'idée de les exprimer au travers de notre instrument. Attrapez votre guitare, c'est parti.
Il existe des millions de sensations physiques ; prenons-en une, et essayons de parvenir à un plan ou un accord pour l'imiter. Prenez la simple sensation du vent qui atteint votre visage. Sortez au vent, s'il y en a, et exposez votre visage (ou votre corps nu si vous préférez). Imaginez le son qui représente le mieux la façon dont vous fait vous sentir le vent. Cela peut être un accord, une chanson, un effet, ou autre, mais concevez-le en termes d'expression au travers de votre guitare. La façon dont vous ressentirez le vent sera influencée par des variables comme la température, votre environnement, votre état d'esprit, et ainsi de suite. Voici un accord auquel j'étais parvenu :
Vous pouvez enrichir votre idée avec différents effets, diverses attaques de médiator, en superposant une mélodie, ou autre. Vous pouvez lier une série de ces sensations pour faire une chanson. Si vous parvenez à ne serait-ce qu'une seule nouvelle idée grâce à cette technique, vous n'aurez pas perdu votre temps.
Voici quelques autres sensations physiques à expérimenter :
" un éternuement
" une chatouille
" tirer vos cheveux
" une douche glacée, ou chaude et agréable
" une brûlure
" un baiser (de quatre sortes différentes)
" sauter dans l'eau depuis 1m (ou 6m)
" courir aussi vite que vous pouvez pendant 40 minutes
" une plume sur le nombril
" un glaçon glissé sous votre t-shirt
" attendre en ligne au Department Of Motor Vehicles (ndt : le sentiment évoqué semble être celui d'une interminable attente en ligne)
" un saut périlleux
" tournoyer jusqu'à tomber
" et bien sur, un orgasme
(il vous suffit d'écouter un album de Prince pour une expression de ce thème dans les moindres détails)
Vous êtes encouragés à proposer d'autres sensations physiques, de préférence sans risque.
Mais dans tous les cas, vous devez sincèrement analyser la situation, en ne laissant aucun détail vous échapper, et en restant sur vos impressions initiales pour traduire cette situation en son. Il est important de se concentrer sur les détails. Vos résultats en seront d'autant plus inspirés.
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Citer:
Mind Pictures
(Images mentales)
par Steve Vai
(Partie 6 de 7, initialement publié en juillet 1989).
Parfois nous jouons des choses qui nous viennent comme ça, spontanément, sans que nous sachions pourquoi. Je crois qu'il s'agit d'inspiration divine. On pourrait en rester là et prendre ces choses simplement telles quelles, au premier degré. Mais au lieu de ça, essayons de capter quelques "images" de ces flirts avec le divin.
Attrapez votre instrument et jouez un accord. Essayez d'en inventer un que vous n'avez jamais joué auparavant. (C'est plus simple qu'il n'y parait - il suffit de mettre vos doigts là où vous ne les avez jamais mis, ou de désaccorder une corde ou deux). Maintenant jouez cet accord de la manière que vous souhaitez, et enregistrez-le. En réécoutant votre enregistrement, laissez l'accord vous "parler". Laissez le son de l'accord évoquer une scène dans votre esprit - peut-être quelque chose de familier, une expérience passée. Laissez votre imagination s'échapper un moment. Vous allez certainement commencer par une simple impression, et aboutir à une histoire complète. Ensuite notez-le, quoi que vous ayez visualisé. (Quand j'avais 16 ou 17 ans, mon ami Joe Despagni et moi le faisions énormément. On s'asseyait avec une guitare, et l'un de nous jouait un accord. On se décrivait mutuellement les images qui nous venaient à l'esprit - rêveurs et détendus).
C'est un exercice d'imagination, et il faut le pousser à l'extrême. Ne vous en tenez pas à un seul accord. Ecoutez quelque chose que vous avez écrit dans le passé, ou une chanson connue que vous appréciez. Ce faisant, laissez libre cours à votre imagination. En cherchant ce thème ou cette mélodie particulière, il se peut que vous vous inspiriez d'images mentales d'un évènement passé réel, ou futur, ou d'un scénario complètement excentrique. Après quelques temps, vous verrez les effets de cette méthode sur votre jeu.
Les exercices suivants pourraient vous mener à des découvertes que vous n'auriez pas pu atteindre autrement :
• Pensez à une personne qui vous est très proche, ou peut-être vous-même. Construisez une chanson standard (LA LA SI LA, ou autre), faites en sorte que chaque section reflète un trait du caractère de cette personne. Vous aurez certainement à commencer par définir la façon dont vous percevez les différents aspects de la personnalité de votre sujet. (Cet exercice peut vous paraître saugrenu, mais bon, je suis là pour ça non?)
• Essayez d'exagérer votre jeu. Si vous pensez qu'un passage demande d'attaquer brutalement un accord, explosez-le. Si vous avez besoin de quelque chose de rapide et agressif, soyez aussi furieux que possible - plus furieux que vous n'auriez jamais cru possible d'être. (Mais restez propre et précis, sauf si la partie demande autre chose.) Si un passage réclame de la finesse, vous-même devez être dans une disposition d'esprit extrêmement subtile. Cette approche est très utile pour les dynamiques - en particulier pour les dynamiques de groupe - car les dynamiques sont plus efficaces lorsqu'elles sont exagérées.
• Pensez aux marqueurs d'expression familiers que vous rencontrez en lisant une partition de musique (adagio, legato, ainsi de suite). En fait vous pouvez appliquer n'importe quel adjectif à un morceau de musique. Prenez un mot au hasard dans le dictionnaire, et appliquez-le à un riff, une chanson, un changement d'accord, ou à un solo (et n'oubliez pas d'utiliser la technique d'exagération).
Quoique vous fassiez, LACHEZ-VOUS! (Mais ne vous blessez pas, ni vous, ni quelqu'un d'autre pour ça).
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Citer:
In Closing...
(En conclusion... )
par Steve Vai
(Partie 7 de 7, initialement publié en août 1989).
Si vous avez suivi ces articles, vous aurez probablement noté que mon approche est assez peu-orthodoxe. Je vous fais confiance pour trouver tous les détails techniques musicaux et d'interprétation dans un tas de publications. J'espère que mes mots vous auront inspiré pour fouiller dans votre imagination, votre cÅ“ur et votre âme. Si un seul de ces articles peut vous permettre d'obtenir un son original et personnel sur votre instrument, cela aura été une réussite pour moi. Mais tout ceci se résume à vous, et votre état d'esprit.
L'état d'esprit est probablement l'ingrédient le plus important de toute forme d'éducation ou d'évolution progressive. Surveillez-le constamment. Ce n'est pas simple, car vous devez d'abord comprendre ce qu'est un état d'esprit sain. Ni moi ni aucun livre ne peut vous l'expliquer, car c'est quelque chose de spécifique à chacun de nous. Mais je crois fermement qu'au fond de nos cÅ“urs, nous avons les réponses aux questions que nous nous posons. Un état d'esprit sain rend les travaux et les enseignements des autres plus faciles à apprécier, d'autre part votre interprétation et votre amour-propre s'en ressentiront - en fait, avoir un bon état d'esprit est la chose la plus importante. Ne négligez jamais la force morale de l'Homme.
J'ai vu beaucoup de très bons musiciens - en particulier quand j'étais au Berklee College of Music - dont les capacités techniques surpassaient de loin les miennes. Mais il manquait à certains d'entre eux un état d'esprit sain vis-à -vis de leur musique et d'eux mêmes. Je ne dis pas qu'il faut être nombriliste, mais si vous n'appréciez pas ce que vous êtes capable de faire, comment pouvez-vous demander aux autres de le faire?
Faire de la musique peut paraître déroutant à certains moments, et vous vous sentirez parfois perdu face à toutes vos inspirations. Tout en jouant, vous vous demanderez peut-être, "Ai-je raison? Est-ce que j'interprète correctement mon idée? Est-ce la meilleure note à jouer ici? Est-ce que je devrais plutôt jouer vite, lentement, fort, ou n'importe quoi d'autre?" Parfois, le fait de "simplement jouer " est la partie la plus ardue de la création musicale. Vous devez libérer votre esprit et laisser l'inspiration divine s'en emparer. Aucune leçon ne pourra vous enseigner comment y parvenir, mais si vous en faîtes un objectif, vous verrez des changements au niveau de votre conscience et de votre jeu. Mais il est important de ne pas se crisper sur ces choses. Si tout ne se passe pas toujours comme vous le souhaitez, ne vous énervez pas. Et lorsque cela se produit, laissez faire. Lorsque ça ne vient pas, et bien peu importe, peut-être la prochaine fois.
La guitare est un instrument magnifique, et elle mérite votre respect. Au fil de votre carrière, vous toucherez cet instrument comme jamais vous ne toucherez quelque chose ou quelqu'un d'autre. Elle supportera le poids de vos joies et de vos peines. Elle verra et vivra votre passion, votre colère, votre amour, et votre haine. Elle vous mènera vers vos succès et vos humiliations. Bien qu'une guitare ne soit que fils et bois, peut-être sentirez-vous qu'elle possède sa propre âme, et pour cause. Mais elle est également votre reflet. Faîtes-en l'instrument de votre progrès : évoluez avec elle et respectez-la.
Pour terminer, je souhaiterais vous remercier pour votre soutient. Vous avez été une énorme source d'inspiration et vous avez eu une influence monumentale sur moi. Mes meilleurs vÅ“ux à tous.
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